A l’occasion de l’Ottawa International Animation Festival, l’ONF a dévoilé une vague de courts-métrages d’animation. Parmi eux, on retrouve 4 Nord A, réalisé par Jordan Cunning et Howie Shia (Bam), au sujet d’autant plus important par les temps qui courent.
Une femme est assise, seule, au chevet de son père mourant. Alors que le vacarme constant de l’hôpital la pousse à affronter sa perte inévitable, elle s’évade dans une série de souvenirs d’enfance.
Cette collaboration entre Jordan Canning, qui possède un long CV dans la mise en scène live action et Howie Shia, dont l’expérience en animation n’est plus à prouver, prend aux trippes et ne vous lâche pas, même bien après la fin du générique. Alternant la rectitude clinique de l’environnement hospitalier avec cette chaleur subjective propre aux souvenirs, dont les couleurs éclatantes tranchent avec la froideur de la réalité de l’instant que ressent l’héroïne. Cette omniprésence auquel elle souhaite s’échapper ne fait que remonter d’autres souvenirs où la mort reste présente et, au-delà de cette anxiété et cette solitude que l’on a tendance à associer aux affres de l’enfance, c’est exactement les mêmes sentiments qui continuer à surnager lorsqu’on revient dans cette pâle atmosphère découpée par la direction artistique créée par Howie Shia.
Fort des ses dix minutes alternant souvenirs et épreuves du présent, 4 Nord A ose montrer ce que personne ne souhaite penser ou évoquer : la solitude face à la perte de contrôle d’une maladie lourde, la perte de proches, l’appréhension du deuil et ce besoin d’empathie dans ce genre de situation, qui peut être simple comme toucher la main d’une personne que l’on connait pas mais qui vit la même situation… l’intelligence émotionnelle du film de Jordan Canning et Howie Shia a de grands risques de flotter quelque part dans un coin de votre tête très longtemps. J’ai eu la chance de pouvoir interviewer les deux artistes avant la première de 4 Nord A à l’Ottawa International Animation Festival, et échanger avec eux sur les circonstances de conception et de fabrication du film, ainsi que sur l’impact et les thématiques qui le traversent. A propos de votre écriture, Jordan, j’ai pu voir dans votre biographie que vous avez une grande expérience de réalisation de cinéma en live action vous aviez fait un court métrage d’animation il y a environ dix ans. Comment avez-vous appréhendé cette histoire et décidé de la faire dans ce médium qu’est l’animation ?Jordan Canning : Comme vous l’avez dit, je travaille surtout dans le domaine du live action, mais aussi dans genre de la comédie, et ce film n’est évidemment ni l’un ni l’autre. C’était donc une sorte d’amalgame d’idées que j’avais à partir d’histoires que ma mère m’avait racontées sur son enfance, son enfance dans la campagne ontarienne, et elle m’a simplement griffonné ces histoires qu’elle m’avait racontées. On pouvait y trouver un fil conducteur qui était celui des animaux et de la mort, mais il y en a une en particulier qui me revient en mémoire, c’était l’histoire du serpent, et j’ai toujours pensé : mon Dieu, ce serait une scène si incroyable à jouer dans une histoire, mais je ne me suis jamais sentie bien, je ne sais pas, je n’ai jamais vraiment pu trouver la bonne histoire pour la mettre en scène, ou un endroit où la mettre, alors elle s’est retrouvée dans un dossier sur mon ordinateur et quelques années plus tard, je lui ai trouvé une place.
C’est après la mort de mon grand-père que ma mère et moi avons discuté et qu’elle m’a raconté l’épreuve d’être assise à son chevet lorsqu’il était mourant et cette histoire a commencé à prendre forme dans mon esprit, sur la relation père-fille et cette idée d’un père qui essaie de préparer sa fille à l’inévitabilité de la mort et d’accepter que c’est une partie naturelle de la vie, et puis en contrastant cela avec le fait d’être réellement sur son lit de mort et ce que l’on peut ressentir à ce moment-là, peu importe à quel point on est un homme fort et raisonnable, on sait que l’on n’est peut-être jamais vraiment préparé à sa propre mort. C’est pourquoi, lorsque l’idée de l’animation a été présentée par l’Office national du film Canadien, alors que je travaillais avec eux sur un autre projet, et qu’ils avaient associé un scénariste de film live avec un animateur pour réaliser un court métrage, j’ai eu l’impression que je n’étais jamais vraiment préparé à la mort. Je ne savais pas que c’était possible, alors j’ai écrit le scénario et je l’ai fait parvenir à Annette Clarke, notre productrice, qui nous a beaucoup soutenus et nous a aidés à trouver le bon animateur par l’intermédiaire de l’ONF, et voilà que le travail de Howie est arrivé sur notre bureau ou plus directement s’imprimer sur mes rétines (rires) J’ai simplement… j’ai adoré le style d’Howie et sa capacité à rendre les émotions et les personnages de manière si simple et si spécifique. Heureusement, le scénario a également plu à Howie et nous avons fait équipe il y a presque cinq ans, je crois, pour commencer à travailler sur 4 Nord A.Howie, je vous avais déjà parlé, je pense que c’était il y a quatre ans à l’occasion de Bam, j’étais très heureux de vous voir sur ce projet et j’ai trouvé que la mise en scène sous forme de vignettes, comme dans les bandes dessinées ou les dessins animés. Jordan, Howie est-il venu vous voir avec ce genre de mise en scène, vous a-t-il proposé ce qu’il a ressenti par rapport à l’histoire que vous lui avez transmise ?JC : Vous savez, quand Howie et moi avons commencé à travailler ensemble, nous ne nous sommes jamais rencontrés en personne. Durant la première année, il était à Toronto et j’étais à Terre-Neuve. Nous avons donc passé beaucoup de temps à discuter, à nous envoyer des images et à trouver des images de référence et comment nous nous sommes mis à ébaucher des choses. C’était un processus de développement naturel avant que nous ne prenions une décision, vous savez, avant qu’il ne commence à dessiner sérieusement, nous avons pu beaucoup parler et échanger.Je pense que c’est évident quand on voit le film, mais nous avons beaucoup parlé de la différence entre les séquences en environnement hospitalier au présent et les séquences de souvenirs. Nous avons discuté de la façon dont nous pouvions les séparer en termes de style d’animation, de textures et de couleurs, pour vraiment mettre en valeur ces souvenirs, plus vivants que lorsque vous êtes coincé dans cet hôpital, et plus généralement, le sentiment d’être à l’hôpital est de ressentir comme tout est stérile et comment cette expérience vous draine votre énergie. Mais Howie, peut être veux tu poursuivre ? Howie Shia : Je pense que la particularité de cette collaboration est que nous avons commencé avec des points de départ assez différents, mais avec des instincts similaires sur la façon d’aborder la réalité de chaque scène et sur la façon d’obtenir ce qui était désiré et nous ne voulions pas que ce soit trop sentimental, je pense… et je suppose que nous sommes tous les deux d’accord sur le fait qu’il n’y avait pas beaucoup d’instructions de la part de Jordan, ce qui est une gentille faveur qu’elle m’a faite, mais c’était en gros beaucoup d’échanges de dessins.
Je pense que dès le début, d’après nos discussions, nous savions ce que nous ne voulions pas tous les deux en terme d’échelle de plan, comme nous approcher trop près et trop souvent des personnages et rester sur quelque chose de large et de plat, jusqu’à ce que nous arrivions aux séquences de mémoire et ainsi, faire ressentir ce côté vraiment tactile et renforcer cette sensation d’être présent avec eux, pas seulement dans ce moment précis, mais aussi d’utiliser la peinture elle-même pour évoquer l’émotion, le sentiment de ce que vous voyez et pas seulement le sujet abordé. D’après nos conversations, nous savions que je savais que nous ne voulions pas et que je ne voulais pas non plus, personnellement, nous rapprocher trop souvent et rester à plat jusqu’à ce que nous arrivions aux séquences de mémoire et puis, euh, ainsi et puis, la séquence de mémoire, c’est nous Je voulais me sentir vraiment tactile et être là, pas seulement dans le moment présent, mais aussi dans le moment présent, presque dans la peinture elle-même, dans l’émotion, le sentiment de ce que vous voyez et pas seulement le sujet de ce que vous dites, je suppose. JC : Oui et les souvenirs aussi… vous savez, je pense pour l’hôpital parce que Howie et moi avons tous les deux passé notre propre part de temps à l’hôpital et une chose qui était très importante à ce sujet, c’est cette impression qu’il n’y a pas d’échappatoire, chaque tic tac de l’horloge vous rappelle que vous êtes là et vous ne pouvez pas vous échapper autant que vous le voudriez. Nous voulions vraiment mettre en évidence tous ces petits détails de l’espace et des sons et puis quand nous entrons dans les souvenirs, c’est plus bien, c’est comme un souvenir en ce sens que vous vous souvenez de flashes de choses dont vous vous souvenez comme le bruit du poisson qui heurte la tête du bateau ou le souvenir de la pêche, la texture de son noyau, mais vous ne vous souvenez pas de chaque seconde entre ces deux flashes, et donc brouiller le temps entre les deux d’une manière très agréable. C’est quelque chose qu’Howie a trouvé très tôt pour y parvenir, qu’il a je crois évoqué la caméra super 8, et ce flou qui accompagne le changement entre deux plans sur la pellicule. Je pense que j’ai toujours eu une bonne idée de ce à quoi ressemblait le travail à l’hôpital. Et que l’une des premières choses que j’ai fait après avoir décidé du scénario a été de lui envoyer une liste de plans qui pouvaient exister dans chacune de ces scènes, tels que je les avais imaginé car c’est de cette manière que je fonctionne. Je pense et j’espère que c’est une sorte de bon mélange entre nous deux dans ce film où il y a, vous savez, ce n’est pas comme ça qu’on peut mieux en parler, mais ce n’est pas nécessairement comme un film d’animation traditionnel ; c’est comme un mélange entre un court métrage, quelque chose de filmé en live, et une animation dans laquelle les choses ne deviennent pas folles et surréalistes très souvent, mais des moments que nous avons choisis qui sont, je l’espère, assez puissants.Le type d’énergie qui se trouve dans la comédie et qui se caractérise par un rythme assez haché est-il quelque chose qui vous a influencé votre écriture sur 4 Nord A, étant donné votre carrière ?JC : Wow, cette question est intéressante. Je pense qu’à l’époque, je dirais en réaction à ça, je ne pense pas, je voulais vraiment me projeter vers la tristesse, c’était un scénario et un projet assez cathartique à écrire, et je sais que je n’ai jamais vraiment eu l’impression qu’il avait quelque chose à voir avec mon travail passé ou avec mon travail dans le domaine de la comédie. Je voulais surtout me concentrer sur cette émotion et essayer de trouver une sorte de vérité qui résonne vraiment et dont j’espérais que les gens ressentiraient le deuil et la perte.HS : Je pense… et Jordan tu peux me reprendre si ce n’est pas le cas pour toi, mais je pense avec une certaine assurance, vu que nous avons tous les deux passé beaucoup de temps à l’hôpital, que tout n’y est pas dramatique. Bien sur, il y la douleur et la souffrance en grande proportion mais aussi un certain comique, de voir à quel point la situation peut y être stupide, d’être coincé dans cet endroit où vous ne pouvez rien toucher, vous ne pouvez parler à personne.Je pense que, dans une certaine mesure, nous avons essayé de faire ressortir cela dans le film, à quel point c’est une absurde perte de temps. C’est censé être un moment très important mais ces 25 minutes de ma vie à y être coincé relèvent du gaspillage total JC : J’allais dire que la seule séquence dans laquelle Howie est apparu, nous avons toujours eu ce moment délicat dans le script où c’était en gros… il y a cette scène intermédiaire qui a eu un tas d’itérations différentes, avant la séquence finale, où elle se trouve dans la salle d’attente et ce moment où se trouvent les plans où elle fixe des éléments du décor… Howie c’est avant son deuxième souvenir ou avant le souvenir final ?HS : C’est avant le dernier, je crois oui.
JC : il y avait donc toujours cette sorte de moment de transition que nous n’avions pas vraiment réussi à conceptualiser, entre le moment où elle regarde par la fenêtre dans la salle d’attente avec ensuite sa présence dans la chambre d’hôpital, et on avait toujours l’impression qu’il manquait quelque chose entre les deux, qui puisse mettre en avant ce sentiment ne pas pouvoir s’échapper de cet endroit : on est à l’hôpital, ou bien on sait qu’on y va et que l’on va traverser quelque chose de vraiment difficile, la distraction est la clé, c’est tout ce qu’il reste. Vous êtes toujours à la recherche de quelque chose à faire ou à regarder qui n’évoque pas cette douleur à laquelle vous devrez faire face très bientôt, et pour y parvenir nous avons essayé un tas de choses différentes et puis une fois, Howie s’est dit « Et si nous faisions ça ? » et il a monté l’idée dans l’animatique : c’était un plan dessiné avec l’arrière de sa tête monté avec des photos d’une machine à café, d’une peinture et d’autres choses… et dès qu’il a fait ça, de voir ces jump cut du personnage qui tente de s’accrocher aux choses qui l’entourent et qui échoue, pour moi, ca avait un côté comique. C’était je pense une merveilleuse manière de transmettre l’idée voulue par ce rythme de montage comique amusant au reste du métrage qui tout de même plus déprimant.Vous avez donc parlé de la catharsis et dans le film, c’était dans la scène finale, il y a le toucher, ce toucher et c’était pour nous, je pense que nous avons vu cela comme le début du processus de guérison de toute cette impuissance, de tout ce chagrin ou de toute cette haine de soi que vous avez pendant ces moments difficiles et je voudrais savoir si c’était particulièrement difficile à écrire ou à conceptualiser.JC : Visuellement, c’était très bien formé depuis le début, je dirais que l’image d’une main, d’une main de deux femmes séparées par le rideau et d’une main les reliant toutes les deux était là dès le début, c’est comme ça que j’ai su que ça finirait et j’ai eu cette image très clairement à l’esprit dès le début, ce petit moment de connexion entre deux étrangers et combien ce confort peut être puissant et efficace quand vous êtes au plus bas, vous savez, et donc je savais que c’était là que ça allait aller, je pense que cette image était presque identique dès le début. Mais je dirais que la séquence qui la précède quand nous sortons de la mémoire et qu’elle a finalement cette libération émotionnelle, elle pleure et vous savez comment nous pouvons parler de cela aussi, nous avons beaucoup joué avec cela, nous avons eu, vous savez, il y avait différentes versions de l’animation, il y avait différentes versions du montage sonore, vous savez, est-ce qu’on l’entend pleurer ? Entend-t-on de la musique ?Nous avons vraiment essayé de trouver le bon équilibre entre les émotions pour que ce ne soit pas trop bouleversant, vous savez, que tout le monde soit dévasté à la fin, mais ce geste était suffisant pour que le film se clôture et que le personnage du film ait vraiment besoin, comme vous dites, de pouvoir commencer à sortir de son chagrin. Howie, as-tu quelque chose à ajouter à ce sujet ?
HS : Oui, comme l’a dit Jordan, je pense que le moment était toujours là ; comment y arriver, c’était le truc et le mérite en revient aussi à nos animateurs, pour avoir trouvé le bon acteur, et à notre concepteur sonore, Sasha Radcliffe, pour avoir complété le film et l’avoir présenté de la bonne manière. Je pense que le plan lui-même est puissant et qu’il fait tout ce qu’il faut pour atteindre son objectif.JC : Oui, nous avons eu beaucoup de chance pour cette séquence avec notre animatrice Miranda Kennel qui nous a fait la gentillesse de réaliser plusieurs fois l’animation de ce plan, comme on demande à un acteur de faire des essais dans différents extrêmes. En général, on essaie de faire ça juste en scénarimage, je pense, mais avec ce plan-ci, nous connaissions les spécificités du jeu d’acteur à ce moment-là, où la décision serait prise et où il n’y a pas moyen d’y arriver sans l’avoir vu.HS : Je pense que c’était en termes de perfectionnement de l’arc de ce moment. Je pense que cela dépend beaucoup de nos animateurs. JC : Oui et nous avons su très tôt que nous pourrions essayer une autre version, plus large ou autre, mais il nous semblait toujours bon de rester dans ce plan aussi longtemps que nécessaire, Vous savez, non pas pour forcer ce moment à se terminer, pas pour en faire autre chose, juste pour laisser vraiment tout le monde appréhender, les personnages comme le public, appréhender ce moment jusqu’à ce que ce petit geste de prendre la main et de la serrer, ait lieu. Et vous savez qu’ils peuvent rester assis là, vous savez que le générique commence et qu’ils peuvent rester assis pendant encore dix minutes, vous ne le savez pas mais j’ai toujours voulu que ça s’achève par ce moment de connexion, donc il y a un peu d’espoir à la fin. HS : Oui et je pense que l’un des éléments dont j’ai parlé avec Jordan, c’est que nous ne voulions pas donner un sentiment de fin, nécessairement de la manière dont on s’attend à ce qu’un film se termine ou qu’il soit bien terminé. Une partie de l’exploration ici, c’est que selon moi vous n’obtenez jamais la fin que vous voulez vraiment et que vous êtes en quelque sorte abandonnés avec elle. Ca semble juste être un moment mais il y a tellement plus qui est censé venir après cela, il y a des années qui viennent après cela. Nous voulions nous assurer que c’était clair et que ce n’était pas la fin d’une expérience particulière.J’aime que cela ait un rapport avec le film parce que nous avons le privilège d’être en France et d’avoir accès à de nombreux films d’art et d’essai avec ce genre de narration, où l’histoire est coupée courte pour finir sur un moment, une impression ou une émotion parce que c’est la vie et qu’on ne peut pas finir comme ça, contrairement à des films plus mainstream. Tout continue et c’est une sorte de reflet de nos propres vies. Tout le monde a, a eu ou aura un être cher à l’hôpital, surtout en cette période, et je pense que c’est un grand pouvoir pour les films et 4 Nord A en particulier. Vous avez dit que l’expérience pouvait être bouleversante parce qu’elle met en perspective sur ce qu’en tant que personne nous voulons faire, ce dont nous voulons parler avec les gens que nous aimons et j’aime le fait qu’il n’y ait pas de dialogue dans le film. Parce qu’il s’agit de l’absence de ce genre de choses. Personne ne veut en parler avant que cela n’arrive, quand cela arrive et même après. C’est un sujet tabou dans nos société occidentales.JC : C’est terrible et pour ajouter à cela, je pense qu’une chose que j’ai moi-même expérimentée et que nous avons essayé de mettre dans le film, c’est cette idée de la mort dans les films, ou comme dans ce type de fantasme cinématographique où vous avez un parent ou un être cher qui meurt, vous espérez toujours qu’il y aura une sorte de clôture, qu’il y aura une conversation finale où vous pourrez tous les deux dire toutes les choses que vous avez toujours voulues dire, exprimer votre amour et la personne pourra en quelque sorte, fermer le livre et passer de l’autre côté.
Il y a ces conversations idéalisées et ce fantasme que si peu de gens ont la chance d’assouvir face à la mort, c’est généralement comme vous l’avez dit :on n’en parle pas, on ne saisis pas ces occasions de dire les choses avant qu’il ne soit trop tard, où alors ça va être mal compris, mal interprété, maladroit et insatisfaisant. Je pense donc que cela fait partie de la vie et que c’est quelque chose à accepter et vous savez, je vais citer Howie, s’il me permet de dire ça de manière moins élégante que lui : A ce moment précis de l’histoire, nous sommes au milieu de cette pandémie qui n’en finit pas, il y a tant de personnes malades et séparées de leur famille qu’il est vraiment privilégié de pouvoir être au chevet d’un être cher en train de mourir, vous savez, et de ne pas être obligé d’être séparé d’eux.C’est quelque chose auquel je n’aurais jamais pensé en faisant ce film parce que ma réalité, notre réalité était différente à ce moment-là, mais d’être reconnaissant pour l’opportunité de simplement s’asseoir en silence au chevet d’un être cher, même si vous savez que vous ne pourrez pas avoir cette grande conversation finale est un vrai cadeau que je pense, beaucoup d’entre nous devraient être si chanceux d’avoir. Merci, Jordan et Howie, pour vos réponses. 4 Nord A, produit par l’ONF, fait sa première actuellement mondiale au festival International du film d’animation d’Ottawa.
Tous mes remerciements à Nadine Viau, Muriel Salzard pour l’organisation de l’interview.
